Modul 1. Erstellung von Inhalten. E-book

Einführung

Der Medienkonsum ist im Leben junger Menschen sehr wichtig. Auch die Produktion von Medien und die Kommunikation mit Medien gehört zum Alltag vieler Jugendlicher, die Smartphones nutzen. In vielen Fällen sind die produktiven Fähigkeiten jedoch auf einem basalen Niveau und werden oft nicht reflektiert. Ziel des Moduls ist die Förderung von Medienkompetenz in der kritischen Analyse und Gestaltung von Medien. Daher ist dieses Modul sehr praxisnah gehalten:

• Im ersten Teil geht es um die Planung eines Medienprojekts. Als Beispiel wird die Konzeption einer Videoproduktion erläutert.
• Der zweite Teil des Moduls beschäftigt sich mit Bildern in Videos und Fotos. Die Wahl des richtigen Rahmens, die Berücksichtigung des Hintergrunds bei der Aufnahme und warum wir Filmemacher bei der Aufnahme immer an den Schnitt denken.
• Im dritten Teil gehen wir näher auf technische Fragen der Tonaufnahme und des Tonschnitts ein. Außerdem werfen wir einen Blick auf die Ausrüstung, die für die Produktion professioneller Filme benötigt wird.
• Im vierten Teil geht es darum, den Betrachter mit Farbe und grafischer Gestaltung anzusprechen.
• Im letzten Teil dieses Moduls geht es um die Bearbeitung und die Ausgabe auf der entsprechenden Plattform, um das gewünschte Publikum zu erreichen.

Storytelling - Planen Sie eine Produktion

Um Zuschauer anzulocken, gibt es nichts Besseres, als eine spannende Geschichte zu erzählen. Ob es sich um einen Text, ein Foto oder ein Video handelt, es ist der beste Weg, um die Aufmerksamkeit des Zuschauers zu gewinnen. Umso wichtiger ist es, die Grundlagen des Storytellings zu beherrschen. Charaktere und Spannungsbögen und Handlungsstränge, Helden/Heldinnen und Schurken müssen definiert und ein Drehbuch geschrieben werden. Aber zuerst braucht man eine Idee.

Alles beginnt mit einer Idee

Wenn Einzelpersonen oder Gruppen eine Produktion planen, liegt ihr zunächst eine bestimmte Idee zugrunde. Der Anlass kann z. B. ein Wettbewerb sein. Die Aussicht auf einen Gewinn ist auch ein Anreiz für junge Menschen, "dranzubleiben". Wenn Sie als Jugendarbeiter keinen externen Wettbewerb finden, ist es auch eine gute Möglichkeit, selbst einen Wettbewerb zu starten. So können Sie Werbung für die Medienarbeit der Einrichtung machen und vielleicht auch andere Jugendliche oder Jugendeinrichtungen für eine Zusammenarbeit gewinnen. Durch Sponsoring sind auch Sachpreise möglich, aber für jüngere Menschen ist eine Urkunde vielleicht schon Anreiz genug, ebenso wie eine Leinwand oder Bühne vor einem großen Publikum. Einen eigenen Wettbewerb ins Leben zu rufen, ist jedoch mit viel Arbeit verbunden und erfordert eine gewisse Planung. Am besten ist es, den Teilnehmern ein Thema vorzugeben, mit dem sie arbeiten können, und die Länge der Filme und die Produktionszeit zu begrenzen. Junge Menschen wollen oft das nachahmen, was sie selbst konsumieren. Manchmal unterschätzen junge Leute den Aufwand, den es braucht, um einen Film zu machen, und träumen davon, einen 90-minütigen Hollywood-Film zu drehen. Unserer Erfahrung nach sind 90 Sekunden eine viel bessere Länge.
In der Dramaturgie spricht man von den "großen Themen", die die Menschen mit ihrer Aufmerksamkeit anziehen. Erfolgreiche Filmemacher präsentieren diese Themen immer in ihren Filmen:

• Liebe/Erotik
• Tod/Überleben
• Ruhm/Erfolg
• Macht/Politik
• Wirtschaft/Geld
• Rache
• Selbsterfahrung

Für die Filmproduktion sollten Sie sich zunächst überlegen, was Sie filmen wollen. Das kann z. B. eine Geschichte, ein Sachverhalt, ein technischer Vorgang, ein Streit oder eine ähnliche Situation im Alltag usw. sein. Natürlich können auch "nicht-alltägliche Begebenheiten" (z. B. Science-Fiction) als Idee dienen. Um die Idee zu entwickeln, lohnt es sich, zunächst ein Brainstorming mit den Jugendlichen durchzuführen und dann in Form einer Mind Map die Verbindungen zwischen den Handlungssträngen und Figuren zu skizzieren.

Ein Video soll in der Regel eine Aussage machen, etwas erklären oder kritisieren. Der/die Videomacher wollen eine Zielgruppe in ihrer Gemeinschaft (Gesellschaft, Land, Stadt, Gemeinde, Schulklasse, soziale Medien...) ansprechen und erreichen. Je nachdem, wie das Video gemacht ist, kann es überzeugen, manipulieren, informieren, schockieren, unterhalten, lehren usw. Um das eine oder andere Ziel zu erreichen, ist es notwendig, die ursprüngliche Idee in Form einer kurzen Beschreibung des geplanten Ablaufs des Films zu skizzieren (maximal eine halbe Seite). Filmfachleute bezeichnen dies als Exposé.
Das Exposé lässt sich am einfachsten in der folgenden Form als narrativer Satz schreiben:

"Ich erzähle Ihnen heute die Geschichte dieser Hauptfigur mit den folgenden Eigenschaften und diesem Handlungsmotiv. Die Hauptfigur ist mit dieser Herausforderung (Gegner, Konflikt, Aufgabe, Hindernis, Unsicherheit, Irritation) konfrontiert Eine bestimmte Rolle wird von diesen Nebenfiguren gespielt. Sie stehen im Zusammenhang mit der Hauptfigur oder dem Hindernis oder der Veränderung. Diese Veränderung/Entwicklung geschieht mit der Hauptfigur. Die Geschichte spielt sich an diesem Hauptschauplatz und an weiteren Nebenschauplätzen ab. Die Geschichte entwickelt sich entlang dieses "unverzichtbaren" roten Fadens und könnte mit der folgenden Ausgangssituation beginnen." (übersetzt aus Gregor Alexander Heussen: "Der Erzählsatz" 2007 (ISBN 978-3-00-028648-3))
Beim Schreiben des Exposés wird klar, dass man sich auch mit Dramaturgie beschäftigen muss, wenn man einen Film machen will.

Drehbuch - das Drama planen

Wichtig für eine gute und fesselnde Geschichte ist ihr dramaturgischer Aufbau. Es gibt dramaturgische Abläufe, die schon in antiken Dramen verwendet wurden. Kurz gesagt, kann die Struktur in 5 Punkte gegliedert werden:

1. Er beginnt mit einer Einleitung (Exposition). Das Publikum wird mit dem Schauplatz des Films bekannt gemacht. Die Charaktere und einige ihrer Eigenschaften werden vorgestellt. Es gibt eine erste Andeutung des zentralen Konflikts.
2. Die Entwicklung/Steigerung der Handlung. Die Beziehungen zwischen den Akteuren werden aufgezeigt. Die Situation spitzt sich mehr und mehr zu. Es geschehen Ereignisse, die zu einem Konflikt führen.
3. Die Eskalation des Konflikts - der Höhepunkt. Die Handlung erreicht ihren Höhepunkt. Die Hauptfiguren befinden sich im zentralen Konflikt und es muss eine Lösung gefunden werden.
4. Wendepunkt/Verlangsamung der Handlung. Die Handlung verlangsamt sich, um die Spannung auf ihren Ausgang zu erhöhen. Je nach Akteur kann sie sich zum Guten oder zum Schlechten wenden.
5. Katastrophe oder Auflösung. Für die Hauptfiguren tritt eine Katastrophe ein, oder alle Probleme werden gelöst, und der Film endet mit einem Happy End.

Diese fünf Strukturelemente sollten für den logischen Verlauf und Aufbau einer Geschichte beachtet werden. Wenn ein anderes Format als ein Spielfilm gewählt wird (z. B. eine Talkshow), ist eine Planung entlang dieser fünf Elemente nicht unbedingt erforderlich. Dennoch ist es notwendig, sich im Vorfeld Gedanken zu machen, z. B. was das zentrale Thema ist oder in welchem Rahmen und mit welchen Teilnehmern eine Gesprächsrunde stattfinden soll. Auch der Moderator einer Talkshow muss Dramatik in die Sendung bringen, sonst wird sie langweilig.

In der postmodernen, digitalen Welt der sozialen Medien, in der junge Menschen leben, ist die Zeit für die Entwicklung eines Dramas oft sehr begrenzt. Geschichten auf Instagram, Facebook und Tik Tok zum Beispiel müssen sofort Aufmerksamkeit erregen. Deshalb komprimieren sie manchmal den dramatischen Bogen und beginnen mit dem Höhepunkt des Konflikts und enden mit der Lösung.
Das Exposé dient als Diskussionsgrundlage für alle Beteiligten im weiteren Verlauf der Arbeit an einem Videoprodukt. Die gemeinsam erarbeiteten Änderungen und Verbesserungen werden schriftlich festgehalten. Damit ist die Grundlage für die Videoproduktion gegeben. Die überarbeitete Version des Exposés, die im Laufe der weiteren Entwicklung mit ihren Streichungen und Ergänzungen ausgearbeitet und verbessert wird, wird als Drehbuch oder Screenplay bezeichnet.

Bestimmte Punkte werden ausführlicher behandelt, wie z. B. die Frage nach dem Spannungsbogen der Geschichte, dem Drehort oder der Länge des Videos. Im weitesten Sinne ist das Drehbuch die Story-Bühne für die Produktion, die für die Dreharbeiten vorbereitet wird. Der Dialog wird konkret ausgearbeitet. Die Dialoge (Spielfilm) oder Kommentare (Dokumentarfilm) sollten ebenfalls im Drehbuch festgehalten werden.

Quelle: https://thescriptsavant.com/pdf/JerryMaguire.pdf

Beispiel Drehbuch für einen Hollywood-Film

Behandlung und Vorproduktion

Die Beschreibung des Handlungsinhalts, die Art der Handlung, die im Video dargestellt werden soll, bis hin zu den Details der technischen Ausführung, sind Bestandteile des Treatments. Ort, Tageszeit, Requisiten etc. müssen benannt und detailliert beschrieben werden. Der Dialog wird konkret ausgearbeitet. Auch Fragen wie eventuell notwendige Drehgenehmigungen für bestimmte geplante Aufnahmen oder finanzielle Aspekte sollten im Treatment berücksichtigt werden. Requisiten und Dekorationen sollten aufgeschrieben werden und müssen vor Beginn der eigentlichen Dreharbeiten beschafft oder gebaut werden.

Für Jugendliche ist das oft der Punkt, an dem sie keine Freude mehr am Schreiben haben und endlich filmen wollen. Während der Produktion zeigt sich jedoch schnell, ob die schriftliche Vorbereitung ausreichend war. Am Drehort kann es zu endlosen Diskussionen kommen und ganze Produktionen können scheitern.

Vor Beginn der Dreharbeiten ist es möglich, das Drehbuch im Detail zu bearbeiten. Dies kann in rein schriftlicher Form geschehen, als Transkription (mit genauen Beschreibungen von Bild- und Tonelementen, aufgeschlüsselt auf die einzelnen Takes), aber es ist auch der Schritt möglich, ein vorhandenes Drehbuch in eine visualisierte Version umzuwandeln. Die verbal beschriebene oder geschriebene Handlung wird so transformiert und anschaulich gemacht. Jeder erinnert sich, wie ein "Film" vor dem so genannten "geistigen Auge" abläuft, zum Beispiel beim Rezitieren eines Gedichts, beim Hören von Musik oder beim Lesen. Es ist, als hätte man eine "innere Leinwand", auf die die einzelnen Bilder des Gehörten oder Gelesenen projiziert werden. Man "malt" etwas im übertragenen Sinne. Allerdings sehen diese Bilder im Kopf des Drehbuchautors natürlich bei jedem anders aus. Deshalb ist es oft sinnvoll, mit sogenannten "visualisierten Drehbüchern", den Storyboards, zu arbeiten.

Mit Hilfe von einfachen Formen und einem Bleistift wird eine Form des Drehbuchschreibens auf Papier angeboten, mit der jeder individuell seinen "Film" und seine Gedanken zur Umsetzung des Themas anschaulich darstellen kann. Keiner muss ein Zeichenkünstler sein. Auch Strichmännchen und perspektivische Skizzen können das geplante Setting verdeutlichen. Es gibt heutzutage sogar digitale Apps für das Storyboarding (z.B. die kostenlose App "Storyboarder" von "wonder unit" für Mac, Windows und Linux), aber die Lernkurve für dieses Tool ist steil und die Jugendlichen werden Probleme haben, es sofort in Gang zu bringen.

Eine weitere interessante Variante der Visualisierung ist das Fotostoryboard. Dabei werden zur besseren Veranschaulichung fotografische Bilder der gewünschten Umgebung oder Einstellung verwendet und gleichzeitig das Zeichnen vermieden. Hier können die Jugendlichen mit ihren Smartphones auf eine Foto-Rallye gehen und mit Aufnahmegrößen und Perspektiven experimentieren.
Storyboards bieten nicht nur die Möglichkeit, den Bildteil zu verdeutlichen, sondern sollten auch je einen Abschnitt für die genaue Beschreibung der Einstellung, für den Ton und andere Notizen (Spezialeffekte, wichtige Objekte, etc.) haben.

Um sicherzustellen, dass Sie während der Dreharbeiten nichts vergessen, sollten Sie auch einen Drehplan erstellen (vor allem bei längeren Produktionen). Darin planen Sie, was, in welcher Reihenfolge, wo und mit wem gedreht werden soll. Die erste Szene kann auch als letzte gedreht werden. Alle Szenen an einem Ort sollten gedreht werden, bevor man zum nächsten weitergeht. Spätestens hier sollten Sie auch klären, ob Sie für den geplanten Drehort eine Drehgenehmigung haben oder benötigen und im Falle eines Dokumentarfilms sollten Interviewpartner gefunden worden sein.
Schließlich brauchen Sie natürlich auch einen Teamplan. Wer muss bei den Dreharbeiten anwesend sein? Wer kümmert sich um Kamera, Tonaufnahme und Beleuchtung, wer stellt die Fragen oder führt Regie und wer steht vor der Kamera? Spätestens hier wird klar, dass Filmemachen immer ein Teamprojekt ist. Jugendbetreuer in Jugendeinrichtungen müssen manchmal vermitteln, wenn z.B. alle die Kamera bedienen wollen. Es gibt auch die Möglichkeit, keine festen Rollen hinter der Kamera zu vergeben, damit jeder in allen Bereichen Erfahrungen sammeln kann.

Beispiel für ein Storyboard

So, jetzt können wir anfangen zu drehen! Aber Moment mal, wie funktioniert das technisch? Das werden wir in den nächsten Kapiteln erklären.

Wichtige Konzepte

Exposé: Ist der erste Schritt zur Planung eines Films. Legen Sie das Thema Ihres Films und die grobe Handlung fest. Wer ist die Hauptfigur und was ist der dramaturgische Konflikt, dem sie ausgesetzt ist? Das Exposé sollte kurz und präzise sein.

Dramaturgischer Aufbau: Traditionelle Dramen haben 5 Punkte und können als ein Bogen beschrieben werden. Es beginnt mit einer Einführung/Exposition, dann folgt eine Entwicklung/Steigerung der Handlung, und als nächstes kommt die Eskalation des Konflikts - der Höhepunkt. Am Wendepunkt kommt es zu einer Verlangsamung der Handlung und zum Schluss zur Katastrophe oder zur Auflösung mit einem Happy End.

Storyboard: Eine Visualisierung der geplanten Produktion Bild für Bild.

Zusätzliche Ressourcen

Storyboard-App - https://wonderunit.com/storyboarder/
Eingehende Analyse des Films "Lola rennt": https://lola-rennt.neue-wege-des-lernens.de/lola/index_en.html
Gregor Alexander Heussen: "Der Erzählsatz" 2007 (ISBN 978-3-00-028648-3)

Video-Materialien

CiMe E-Tutorial "Erstellung von Inhalten":
Grundlagen des Filmemachens Spannung erzeugen:

Aktivität: Ein Exposé schreiben

Schreiben Sie ein Exposé in Form eines erzählenden Satzes. In kleinen Gruppen (3-5 Personen), 15-30 Minuten

1. Kreative Teilnehmer können ihre gesamte Vorstellungskraft einsetzen.

2. Für die Jugendlichen können Sie Karten vorbereiten und sie eine Karte von jedem mit auswählen lassen:

• Figuren (real oder fiktiv) (z. B. Donald Trump, Mickey Mouse, Dracula, Lady Gaga...)

• Genres (z. B. Liebesfilm, Tragödie, Science-Fiction, Krimi, Horror, Animation, ...)

• und Schauplätzen (z. B. im Wald, auf dem Eiffelturm, auf einem Schiff oder in den Straßen von Madrid...). 

Nach dem Schreiben verkaufen Sie Ihren Film an andere.

Aufnehmen von Bildern und Videos

Die Zeiten, in denen wir Fotos machen oder Filme auf Zelluloid produzieren und tagelang warten mussten, um die entwickelten Bilder zu sehen, sind längst vorbei. Digitale Bilder sind sofort da, aber die Art und Weise, wie wir Bilder aufnehmen, ist immer noch fast dieselbe. Wir brauchen ein Gerät, um ein Bild aufzunehmen, um die Bilder zu produzieren, die wir zeigen wollen. In diesem Thema werden wir bestimmte Arten von Fotoaufnahmegeräten mit ihren Vor- und Nachteilen besprechen. Wie man ein Bild einrahmt. Wie man mit nur 5 Bildern eine Geschichte erzählen kann. Warum es wichtig ist, die Bilder ruhig zu halten, und welche möglichen Hilfsmittel Sie zur Unterstützung Ihrer Bildproduktion (Video oder Foto) verwenden können.

Beispiel für Geräte: Produktbilder (Panasonic, GoPro, Apple, Sony)

Geräte zur Bildaufnahme

Heutzutage gibt es eine Vielzahl von Kameras, die diese Aufgabe erfüllen. Spezielle Fotokameras, Action-Kameras, Videokameras und sogar 360-Grad-Kameras eignen sich alle für spezielle Zwecke. Dennoch verwenden die meisten Menschen heutzutage ein Smartphone, denn das ist die Kamera, die sie immer bei sich tragen. Außerdem liefern die neueren Smartphone-Modelle oft schöne Bilder und Videos s und unterstützen sogar die Bearbeitung, Verteilung und Veröffentlichung vor Ort oder sogar das Live-Streaming mit demselben Gerät. Im Folgenden soll ein Überblick über mögliche Geräte zur Aufnahme von Fotos und Videos gegeben werden, die mit Arguments Pro und gegen eine bestimmte Gerätekategorie angeboten werden. 

1. Smartphone-Kameras 

Das ist die Kamera, die die meisten Jugendlichen jeden Tag bei sich tragen. Heutzutage ist die Qualität eines Kamerabildes eine Mischung aus den physikalischen Eigenschaften der kleinen Linse und des Sensors einerseits und der Software, die die Bilddaten verarbeitet und das Bild entwickelt, andererseits. Die neuesten Smartphone-Kameras können durch den Einsatz von künstlicher Intelligenz erstaunliche Bilder liefern.

Pro: immer in der Tasche, kein weiteres Gerät zur Bearbeitung und Verteilung erforderlich.

Contra: kein Griff zum Festhalten, keine gute Tonqualität für die Videoproduktion. Außerdem verwenden Jugendliche oft ältere Handys, die keine gute Bildqualität liefern und deren Speicherplatz begrenzt ist. Das Objektiv der Smartphone-Kamera ist oft schmutzig oder zerkratzt, weil wir das Smartphone ständig in der Tasche mit uns herumtragen.

2. Fotokamera

Eine spezielle Fotokamera ist immer noch der beste Weg, um Fotos zu machen. Größere Kameras mit austauschbaren Objektiven sind vielseitig in ihrer Funktionalität für die Bild- und Videoproduktion. Professionelle Kameras und Objektive können leicht die Kosten eines Autos übersteigen. Kleine Kameras mit festen Objektiven werden heutzutage kaum noch hergestellt, da Smartphone-Kameras diese Position eingenommen haben. 

Pro: Gute Bildqualität, viele Funktionen können manuell gesteuert werden, Kameras mit austauschbaren Objektiven bieten eine große Vielseitigkeit und Optionen, die mit der Zeit erweitert werden können. 

Contra: Teuer, wenn man eine Kamera plus einen Satz Objektive kauft. Die Einstellung der Kameramenüs kann knifflig sein, bei manchen muss man viel lernen. Bei älteren digitalen Fotokameras sind die Videofunktionen rudimentär und die Tonaufnahme ist nicht steuerbar. 

3. Videokameras

Wenn Sie einen Spielfilm oder ein Dokumentarvideo drehen wollen, sollten Sie sich für eine spezielle Videokamera entscheiden. Alle notwendigen Bedienelemente und die Möglichkeit, Mikrofone, Kopfhörer, Monitore oder Videomixer mit Streaming-Funktionen anzuschließen, sind ein großes Plus für diese Art von Kamera. 

Pro: Oft gute manuelle und automatische Steuerung mit Tasten über die Bild- und Tonfunktionen. Möglichkeit zum stufenlosen Zoomen. Anschlussmöglichkeiten für Audio- und Videozubehör.

Contra: Oft großer Formfaktor. Nicht die beste, vielseitigste Kamera zum Fotografieren.

4. Action-Kameras

Diese kleinen Kameras können in bestimmten Situationen sehr nützlich sein. Beim Actionsport und sogar beim Tauchen unter Wasser können diese Kameras interessante Videos und Fotos produzieren. Außerdem sind diese Kameras für Hochgeschwindigkeits- und Zeitlupenaufnahmen geeignet. Weitwinkelobjektive zeigen dem Betrachter Ihren Blickwinkel, wenn die Action-Kamera am Kopf oder am Körper befestigt ist.

Pro: Die beste Kamera für Action, wenn Sie mit einer normalen Kamera nur schwer Aufnahmen machen können und nicht riskieren wollen, dass Ihre bessere Fotokamera oder Ihr Smartphone dabei beschädigt wird.

Contra: Sehr kleiner Formfaktor. Oft keine Tasten, meist automatische Steuerung. Nicht leicht auszustatten. 

Um das Thema Geräte auf den Punkt zu bringen, gibt es unter Foto-Profis ein Sprichwort: "Die beste Kamera ist die, die man immer dabei hat", und so ist es kein Wunder, dass die meisten Bilder und Videos heute mit einer Smartphone-Kamera gemacht werden. 

Ihr Bild einrahmen

Jedes Mal, wenn Sie ein Foto oder eine Videoaufnahme machen, müssen Sie entscheiden, was der Betrachter sehen soll. Das nennt man Bildausschnitt. Sie müssen entscheiden, was auf dem Bild zu sehen sein soll und was Sie besser weglassen. 

Die Person oder das Objekt, das Sie zeigen wollen, hat immer einen Hintergrund und einen Vordergrund. Störende Objekte (z. B. Gegenstände, die aus Ihrem Kopf herausragen, siehe Bild), Personen oder Ereignisse, die sich zufällig im Hinter- oder Vordergrund befinden, sollten eliminiert oder im Text angesprochen werden. Wenn Sie z. B. ein Interview neben einer Baustelle führen und der Zuschauer sieht, wie die Arbeiter ein Haus bauen, ist dies für einen Bericht über den Bau eines Hauses geeignet. Wenn Sie aber nur über Ihre neuen glänzenden Fingernägel sprechen wollen, sollten Sie besser woanders hingehen. 

Bildausschnitt: Wenn Sie ein Foto machen, haben Sie in der Regel eine so hohe Auflösung, dass Sie später alles wegschneiden können, was Sie nicht brauchen, oder sogar ein horizontales in ein vertikales Bild umwandeln können. Wenn Sie jedoch ein Video machen, müssen Sie im Voraus entscheiden, wie Ihr Bild aussehen soll oder auf welcher Plattform oder in welchem Format Sie es veröffentlichen wollen. Manche brauchen 16:9-Bilder wie im Fernsehen, andere sind im Format 9:16 für Smartphones geeignet.

Sichtfeld 

Der Weg zu einem anderen Sichtfeld ist eine Berechnung zwischen Entfernung, Optik und Größe des Kamerachips. Bei Fotokameras können Sie das Objektiv für verschiedene Sichtfelder wechseln. Moderne Smartphones sind oft mit verschiedenen Objektiven ausgestattet, um das Sichtfeld zu wählen. Herkömmliche Videokameras verwenden Zoomobjektive, um zwischen verschiedenen Sichtfeldern zu variieren.

In einer Aufnahmesequenz braucht man immer eine MASTER- oder ESTABLISHING SHOT, das ist oft eine WIDE SHOT, ohne Kamerabewegung, mit vielen Informationen für den Zuschauer. Das ist der erste Eindruck des Schauplatzes, an dem sich die Handlung um die Figuren herum abspielt. Wenn Sie das Setting nicht zeigen, lassen Sie den Zuschauer oft verwirrt zurück. Nahaufnahmen oder Details können die Aufmerksamkeit des Zuschauers auf bestimmte Aspekte des Films lenken.

Blickwinkel

Wenn Sie ein Foto machen oder ein Video produzieren, wird die Höhe der Kamera, die jemanden oder etwas abbildet, als Blickwinkel bezeichnet. Er spielt eine wichtige Rolle dabei, wie der Betrachter den Inhalt unbewusst wahrnimmt. Es gibt drei Hauptblickwinkel:

1. Normaler Blickwinkel - auf Augenhöhe. Dies ist besonders wichtig, wenn Sie Menschen zeigen, z. B. in einem Interview, wollen Sie so unparteiisch wie möglich zu den Inhalten sein.

2. High-Angle - Ansicht von oben. Wenn Sie jemanden oder etwas von oben zeigen, oder sogar etwas höher als der normale Winkel, machen Sie sie für den Betrachter kleiner. Dies wird oft bei Selfies in sozialen Medien verwendet, um niedlich zu wirken. 

3. Low-Angle - Ansicht von unten. Wenn man jemanden oder etwas von unten zeigt, erscheint er (oder sie) dem Betrachter größer. Helden oder gegnerische Bösewichte in Filmen werden oft auf diese Weise gezeigt, um sie stärker erscheinen zu lassen. 

Denken Sie also daran, wenn Sie ein Interview aus einem anderen als dem normalen Blickwinkel machen, nur weil Sie vergessen haben, die Höhe Ihres Stativs einzustellen! 

Wichtige Konzepte

Heutzutage gibt es viele verschiedene Kameras auf dem Markt. Wenn Sie sich für eine Kamera entscheiden, sollten Sie bedenken, dass jede Kamera ihre Vor- und Nachteile hat. Aber es ist nicht wirklich wichtig, mit welcher Art von Kamera Sie Ihre Bilder produzieren. Die beste Kamera ist die, die Sie immer bei sich tragen. Deshalb spielen Smartphone-Kameras heute eine wichtige Rolle beim Fotografieren.

Rahmung: Der Prozess der Auswahl dessen, was auf dem Bild zu sehen ist und was nicht.

Das Sichtfeld: In der Kombination aus Entfernung, Objektiv und Größe des Kamerachips entscheiden Sie, was gezeigt wird und vermitteln ein bestimmtes Gefühl.

Blickwinkel: Die Höhe der Kamera, mit der ein Motiv gefilmt wird, erzeugt unbewusst ein Gefühl von Ergriffenheit und Wichtigkeit.

Zusätzliche Ressourcen

Mehr über die Sprache des Films: https://nwdl.eu/languageoffilm/

Video-Materialien

Blickwinkel: https://youtu.be/knXiI7K4heg

Aktivität: Einrahmung

In kleinen Gruppen oder mit 1 Partner.

Schneiden Sie einen Rahmen im Format 16:9 oder in anderen Größen aus und schauen Sie durch ihn hindurch. Spielen Sie mit dem Abstand zwischen Ihrem Auge und dem Rahmen. Erstellen Sie dabei "Field of view" und "Angle of view".

Frage: Was sehen Sie und wie fühlen Sie sich? Kannst du dich auf das beziehen, was du gelernt hast?

Alternativ können Sie auch Ihr Smartphone nehmen und das Gleiche mit der Kamera machen.

Aufnahme von Ton für Video

Ein Film ist ein audiovisuelles Medienprodukt. Bild und Ton beeinflussen sich gegenseitig stark, und der Ton spielt eine ziemlich wichtige Rolle. Versuchen Sie einmal, einen Film ohne Ton anzuschauen oder einen Film zu hören, ohne das Bild zu sehen.

In Hollywood-Filmen kümmern sich Spezialisten besonders um den Ton. Aufnahmen vor Ort und in Studios, das Abmischen und Schneiden von Geräuschen, das Erzeugen von Soundeffekten und das Komponieren und Aufnehmen von Musik ergeben ein spezielles Klangbett, das oft eine direkte unterbewusste Wirkung auf den Zuschauer hat.

Guter Klang

Was macht gute Tonqualität aus? Eine gute Tonqualität beginnt mit der Aufnahme. Anfänger neigen oft dazu, die Tonaufnahme beim Filmen zu vernachlässigen. Das Bild ist direkt in der Kamera sichtbar, aber wie der Ton aufgenommen wird, lässt sich bei manchen Kameras oder Smartphones oft nicht kontrollieren. So liegt der Fokus der Nachwuchsfilmer bei der Produktion oft auf der Bildseite. Erst später, bei der Sichtung des Materials, stellen sie fest, dass vielleicht die Sprache nicht verständlich genug ist oder dass Hintergrund- oder Windgeräusche den Ton unbrauchbar gemacht haben. 

Ein Mikrofon ist ein sogenannter Schallwandler, der Schallwellen in elektrische Impulse umwandelt, die dann digital aufgezeichnet werden. Akustisch gesehen nimmt die Lautstärke des Schalls mit der Entfernung zur Schallquelle ab. Der beste Klang wird daher erzielt, wenn sich das Mikrofon so nah wie möglich an der Schallquelle befindet. Für die Videoproduktion ist es daher ratsam, ein externes Mikrofon zu verwenden, da die in die Kamera (oder das Smartphone) integrierten Mikrofone relativ weit von der Schallquelle entfernt sind und auch die Geräusche beim Halten der Kamera aufgenommen werden. 

Es gibt viele verschiedene Arten von Mikrofonen, aber für Videoaufnahmen werden diese drei am häufigsten verwendet:

Dynamisches Nahbesprechungsmikrofon

Dieser Mikrofontyp ist für reine Sprachaufnahmen geeignet. Sie werden auch von Musikern auf der Bühne verwendet, da (Neben-)Geräusche aus kurzer Entfernung nicht mehr aufgenommen werden. Dieser Mikrofontyp muss direkt vor den Mund gehalten werden, um eine gute Stimmabnahme zu gewährleisten. Das hat den Nachteil, dass das Mikrofon immer im Bild zu sehen ist. Das ist gut für Reportagen oder Moderationen, aber keine gute Lösung für Spiel- oder Dokumentarfilme, bei denen der Zuschauer das Mikrofon nicht sehen soll.

Richtungsmikrofon / Richtungsmikrofon (Shotgun)

Mit Richtmikrofonen können Sie auch aus größerer Entfernung sauberen Ton aufnehmen. In diesem Fall muss das Richtmikrofon auf die Schallquelle gerichtet sein; der Ton wird von dort aus am stärksten aufgenommen. Häufig werden Richtmikrofone mit einer Galgenstange verwendet, die direkt über dem Geschehen gehalten und mitgeschwenkt wird, wenn sich die Personen bewegen.

Lavalier-/Ansteckmikrofone

Dieser sehr kleine Mikrofontyp wird direkt an der Person befestigt und liefert so einen gleichbleibend guten Schallpegel aus kurzer Entfernung zum Mund. Lavaliermikrofone werden oft per Funk verbunden, es gibt sie aber auch als reine Kabellösungen, z. B. zum Anschluss an ein Smartphone. Nachteile von Lavaliermikrofonen sind: Mögliche Geräusche von Kleidung, Schmuck oder ungewollte Handgeräusche werden lautstark aufgenommen. Bei kabelgebundenen Mikrofonen ist man an einen bestimmten Abstand zum Sprecher gebunden. Bei drahtlosen Lösungen sind Störungen durch andere Funkquellen möglich.

Monitoring ist bei jeder Form der Tonaufnahme wichtig, also die zuverlässige Kontrolle des Tons bei der Filmproduktion. Mit gut abgeschirmten, neutral klingenden Kopfhörern können die Aufnahmen sicher kontrolliert werden. Während der Aufnahme muss der Aufnahmepegel überwacht werden, damit keine Übersteuerung auftritt oder der Ton zu leise aufgenommen wird. Bei vielen kleinen Kameras und Smartphone-Aufnahmen ist es nicht möglich, den Pegel zu kontrollieren; diese Aufgabe übernehmen automatische Systeme.

Diegetischer und nicht-diegetischer Ton

Bei der Filmproduktion wird unterschieden zwischen dem Ton, der zu dem im Bild Gezeigten gehört, und dem, der künstlich hinzugefügt wird.

"diegetisch": Bezieht sich auf alles, was zur fiktionalen Welt eines Films gehört und was die Figuren selbst erleben und erfahren. Die angedeutete Welt der Geschichte, einschließlich ihrer Schauplätze, Ereignisse, Geräusche, Räume und der Figuren, die diese bewohnen, sowie viele andere Dinge, Handlungen und Haltungen, die im Film nicht ausdrücklich gezeigt werden, aber vom Publikum als zu ihr gehörig angesehen werden, werden als Diegese bezeichnet. Dementsprechend wird jeder Ton (Stimme, Musik oder Soundeffekt), der als aus einer Quelle innerhalb der Filmwelt stammend dargestellt wird, als diegetischer Ton bezeichnet. Im Gegensatz dazu werden Hintergrundmusik, ein Erzählerkommentar oder Soundeffekte, die nicht aus der Welt des Films zu stammen scheinen, als nicht-diegetischer Ton bezeichnet. Das Publikum konstruiert eine diegetische Welt aus dem Material, das in einem narrativen Film präsentiert wird, und alle Elemente, die außerhalb dieser Diegese existieren, werden dann als nicht-diegetisch bezeichnet. 

nicht-diegetisch: Nicht zur fiktionalen Welt des Films gehörend (Gegenteil von diegetisch). Beispiele für nicht-diegetischen Ton sind Hintergrundmusik, der Kommentar eines Erzählers oder nach dem Dreh hinzugefügte Soundeffekte, die nicht aus der Welt des Films zu stammen scheinen." (https://www.filmmakersacademy.com/glossary/)

Bei der Tonmischung stellt sich immer die Frage, ob der diegetische oder der nicht-diegetische Ton im Zentrum der Mischung stehen soll. Bei einer Actionfilmsequenz erwartet man zum Beispiel, dass laute, schnelle Musik im Zentrum steht, während bei einem Dokumentarfilm der diegetische Ton der Personen vor der Kamera die lauteste Tonquelle sein muss.

Statten Sie Ihre Kamera aus

Die Grundausstattung, die Sie benötigen, ist ein ausreichend großer und schneller Speicher (Karte) für die Videoaufnahme. Außerdem sollten Sie über genügend Strom in Form von Batterien für Ihre Kamera verfügen. Sie müssen in der Lage sein, zwischen den Akkus zu wechseln, damit Sie mit der Produktion fortfahren können und nicht auf das Aufladen warten müssen. Wenn Sie mit einem Smartphone produzieren, können Sie auch eine externe Powerbank verwenden. 

Auch wenn moderne Kameras oft mit einer Art Bildstabilisierung ausgestattet sind, kann ein Dreibein- oder Einbeinstativ für gute, ruhige Bilder sehr hilfreich sein. Es gibt einen Unterschied zwischen Fotostativen und Videostativen. Stative für Fotoaufnahmen müssen fest stehen, während wir bei Videoaufnahmen fließende Bewegungen machen müssen. 

Wenn Sie mehr filmische Bewegung in Ihrem Video wünschen, können Sie eine Steady-Cam oder motorisierte Gimbal-Systeme verwenden. Es gibt sogar kleine Gimbals für das Filmen mit einem Smartphone.

Für gute Bilder im Innenbereich benötigen Sie möglicherweise Licht. Dunkle Bilder sehen körnig aus und die Farben wirken verwaschen. Ein kleines Licht an der Oberseite der Kamera kann helfen. Wenn Sie eine große Filmproduktion planen, brauchen Sie sicherlich eine Menge Licht. Bei Hollywood-Produktionen muss die gesamte Beleuchtung gesteuert werden, daher werden die meisten Dreharbeiten in einem Studio mit einer Vielzahl von Beleuchtungsanlagen durchgeführt.

Wie wir bereits beschrieben haben, sind ein Mikrofon und ein Kopfhörer sehr nützlich. Wenn Sie diese jedoch nicht an Ihre Kamera anschließen können oder Ihre Kamera keine Möglichkeit bietet, die Tonaufnahme zu steuern, sollten Sie über die Anschaffung eines einfachen Audioaufnahmegeräts nachdenken. 

F oder Projekte mit Kindern, die Verwendung einer klassischen Klappe ist eine einfache Möglichkeit, den Wert der Produktion für sie zu erhöhen. Das wirkt professionell und die Kinder nehmen Ihr Projekt ernster, wenn Sie professionell auftreten.

Es gibt viele weitere Möglichkeiten, in Produktionsmittel zu investieren, aber die oben genannten sind am häufigsten in der Produktion mit Jugendlichen anzutreffen.

Wichtige Konzepte

Ein Film ist ein audio-visuelles Produkt. Die Bedeutung des Tons darf nicht unterschätzt werden.

Ein Mikrofon kann zu einem guten Klang beitragen.

Diegetisch und nicht-diegetisch: Diegetisch ist alles, was zur Welt des Films zu gehören scheint. Nicht-diegetisch ist hingegen alles, was von außen künstlich hinzugefügt scheint.

Zubehör: Nur eine Kamera für die Produktion zu haben, bringt Sie nicht weit.

Zusätzliche Ressourcen

Begriffe aus der Filmbranche: https://www.filmmakersacademy.com/glossary/ 

Video-Materialien

Ein entscheidender Schritt zur Herstellung von UNGLAUBLICHEN Videos! AUDIO & SFX:  

Wie man bei Veranstaltungen den Ton aufnimmt wie ein Profi: https://www.youtube.com/watch?v=_lenixn0ScU

Aktivität : Audiorekorder in einer Box

Nehmt einen Audiorekorder oder die Aufnahmefunktion eures Smartphones und legt sie in eine Box. Sprechen Sie miteinander. Wie wirkt sich das auf den Klang der Aufnahme aus?

Graphics Production and Picture Processing

Wenn Sie ein Bild oder ein Video produzieren, ist das immer eine Kommunikation mit dem Betrachter. Der Betrachter hat im Laufe der Jahre viele Medien konsumiert und erwartet daher bestimmte Formen der Kommunikation. Die Farbe und Helligkeit Ihres Bildes kann die Stimmung des Betrachters verändern. Und die Einblendung von grafischen Überlagerungen ist eine Methode, um die Aufmerksamkeit zu erhalten und zu unterstreichen, was der Betrachter in Ihrem Bild oder Video erfahren soll. 

Ganz gleich, auf welche Weise Sie Ihre Videos veröffentlichen wollen, Sie versuchen, die Aufmerksamkeit der Zuschauer zu gewinnen. Wenn Sie viele Aufrufe für Ihre Videos wollen, müssen Sie Ihr eigener Promoter werden. Vernetzen Sie sich auf den Plattformen der sozialen Medien und nutzen Sie alle Möglichkeiten, sich mit anderen zu vernetzen, um Klicks zu generieren. Berühmt zu werden oder eine Menge Geld mit Ihren Produktionen zu verdienen, ist eine schwierige Sache und kann eine große Herausforderung sein. 

Einfache Farbe Psychologie 

Wenn Sie den Betrachter ansprechen wollen, müssen Sie ein wenig von Farbpsychologie verstehen. Mit dem Einsatz von Farben bei der Beleuchtung oder bei Accessoires im Bild oder mit einem Farbeffekt bei der Bearbeitung in der App Ihrer Wahl können Sie beeinflussen, wie der Betrachter Ihre Botschaft wahrnimmt. Farben können unterstreichen oder ablenken. 

• Sättigung: Die Entscheidung, wie viel Farbe in Ihrem Bild enthalten ist. Schwarz-Weiß wirkt alt und selbst ein stark entsättigtes Bild wirkt trist. Kräftige Farben wirken modern oder populär.

• Helligkeit: Ist Ihr Bild dunkel oder hell? Dies bestimmt auch den Ton der Gefühle des Betrachters.

• Kontraste: Schwarz und Weiß oder kontrastierende Farben auf dem Farbkreis. Komplementärfarben erzeugen die stärksten Effekte in der Farbwelt. Komplementärpaare, die häufig in der bildenden Kunst verwendet werden, sind Rot-Cyan, Grün-Magenta und Blau-Gelb.

In typischen Bildbearbeitungsprogrammen können Sie ganz einfach verschiedene Farbvarianten ausprobieren und spüren, wie Farbe die Wahrnehmung beeinflusst.

Grafiken

"Ein Bild sagt mehr als tausend Worte", aber eine Grafik kann verwendet werden, um zu verdeutlichen, was der Betrachter verstehen oder lernen soll. Einfache grafische Überlagerungen mit Text dürfen nicht vom Gesagten ablenken. Der Betrachter eines audiovisuellen Produkts lässt sich leicht ablenken. Wenn Sie einen langen Text zeigen, möchte der Betrachter lesen, aber wenn Ihr Voiceover dem Betrachter gleichzeitig etwas erzählt, wird er verwirrt. Die Lösung besteht darin, die Grafiken einfach zu halten. Sie können in diesem Prozess sogar einen Film erstellen, in dem Sie dem Betrachter etwas erklären, was als einfache Showanimation bezeichnet wird. 

Einfache Show 

Sie finden einfache Grafiken für alles, was Sie erklären wollen, und drucken sie aus. Du brauchst die Hauptfiguren, Bösewichte, das Problem und eine Lösung wie im klassischen Drama. Dann nimmst du eine Schere und schneidest alles aus. Für die Produktion nimmt man eine Kamera auf einem Stativ, die nach unten gerichtet ist. Auf einem großen Karton bauen Sie Ihre Bühne auf. Jetzt drückst du auf Aufnahme. Mit deinen Händen bringst du alles ein, was du brauchst, um die Geschichte oder das Problem zu erzählen. Du kannst sogar die Atomphysik so erklären.

Verschiedene Veröffentlichungskanäle

Heute gibt es auf dem Markt viele verschiedene Anbieter von Videostreaming mit unterschiedlichen Formaten, um den Zuschauer zu erreichen. Am beliebtesten sind heute YouTube, Instagram und Tiktok. Auf YouTube kann man zum Beispiel stundenlange Livestreams produzieren, auf Tiktok Clips für nur wenige Sekunden.

Lange Videos sind meist im 16:9-Format wie im Fernsehen, aber alle kurzen Clips sind entweder im 1:1 oder im 9:16-Format für die Anzeige auf einem mobilen Gerät. Wenn Sie also filmen oder aus einer Videobearbeitungsanwendung exportieren, benötigen Sie das richtige Pixelverhältnis für Ihr Video.

Die Zuschauer auf diesen Streaming-Plattformen haben in der Regel eine extrem kurze Aufmerksamkeitsspanne. Lange, tiefgründige Themen werden in der App mit einem Fingertipp weggefegt und die lange Arbeit der Inhaltserstellung ist im Nu vergessen.

Ein "Offener Kanal" ist ein lokaler oder regionaler Radio- oder Fernsehsender, der allen Bürgern einen freien und gleichberechtigten Zugang zu diesen elektronischen Medien garantiert. Offene Kanäle bieten die Möglichkeit, sich mit selbstbestimmten Inhalten eigenverantwortlich an die Öffentlichkeit zu wenden. Die Offenen Kanäle stellen Studios für die Produktion von Beiträgen, Aufnahmegeräte, technische Anleitung und Beratung zur Verfügung. Sie sind werbefrei und nicht kommerziell; sie finanzieren sich durch Rundfunkgebühren (in Deutschland). Als Orte der lokalen Kommunikation sind die Offenen Kanäle in unterschiedlichen Organisationsformen gewachsen.

Möglichkeiten zur Medienbildung und politischen Bildung finden sich in offenen Kanälen sowie in sozialen und kulturellen Aktivitäten und Impulsen. Bei ihrer Umsetzung werden Erfahrungen aus dem Austausch und der Zusammenarbeit mit vergleichbaren Projekten im In- und Ausland berücksichtigt.

Wenn Sie die Möglichkeit haben, Citizen Media in Ihrem Land zu finden, sollten Sie die Hand ausstrecken und sich dieser freien, nicht-kommerziellen Art der Veröffentlichung anschließen.

Wichtige Konzepte

Die Kommunikation mit dem Betrachter besteht nicht nur aus dem Inhalt, auch Farbe und Helligkeit spielen eine wichtige Rolle.

Grafische Elemente in Ihrem Video können ablenken oder helfen, die Botschaft zu vermitteln.

Verschiedene Methoden der Veröffentlichung müssen speziell angesprochen werden.

Citizen Media ist eine gute Möglichkeit, Ihre Inhalte in einem nicht-kommerziellen Umfeld zu veröffentlichen.

Zusätzliche Ressourcen

Komplementärfarben: https://en.wikipedia.org/wiki/Complementary_colors 

Farbrad: https://en.wikipedia.org/wiki/Color_wheel 

Video-Materialien

Farbpsychologie - Wie Farben unsere Entscheidungen und Gefühle beeinflussen: https://youtu.be/OM4fXB23pCQ 

Farbpsychologie | Video-Essay: https://youtu.be/ujKNa0fsGfk

Aktivität: Ein Bild machen und Farbe ausprobieren

Aktivität zu zweit: Macht ein Foto mit eurem Smartphone und probiert verschiedene Farbfilter aus.

Frage: Was empfinden Sie bei den verschiedenen Farbfiltern?

Postproduktion und Vertrieb - Bearbeitung für das Publikum

Während es um die Jahrtausendwende noch sehr schwierig war, einen Film herauszubringen und ein Publikum zu finden, hat sich seither vieles entwickelt. Damals waren Kinos und Fernsehsender noch ein geschlossenes System. Um hineinzukommen, brauchte man ein riesiges Budget, um einen Film zu produzieren, oder um Fernsehinhalte zu produzieren und die technischen Mittel für die von den Sendern geforderte Qualität. Außerdem gab es in allen Bereichen "Gatekeeper" in Form von Fernsehproduzenten oder Kinoverleihern, die nur wenigen Leuten Zugang gewährten. Themen, die nicht erwünscht waren, erschienen nicht in den Massenmedien. Das Grundprinzip der Massenmedien war und ist bis heute: wenige Produzenten für viele Zuschauer.

Mitte der 1980er Jahre führten aktivistische Gruppen mit politischem Einfluss in einigen EU-Ländern parallel zu den neuen kommerziellen TV-Anbietern alternative Medien, die Bürgermedien, ein. Hier wurden Bürger zu Redakteuren und konnten ihre eigenen Sendungen veröffentlichen. Bei der Produktion gab es technische und personelle Unterstützung sowie Schulungen zum Erwerb technischer Fertigkeiten. Zudem entwickelte sich an vielen Sendestandorten der Bürgermedien eine lebendige Gemeinschaft von begeisterten alternativen Produzenten.

Seit 2005 hat sich mit der Videoplattform YouTube ein neues Modell des Publizierens entwickelt, das ebenfalls jedem mit Internetzugang das Publizieren ermöglicht. Allerdings muss sich der Produzent komplett in die Hände eines Algorithmus begeben, der entscheidet, bei wem das produzierte Video im Player erscheint. Dies ist für Anfänger oft mit Frustration verbunden. Hier gilt oft der Gegensatz zu den Massenmedien: viele Produzenten für (oft) sehr wenige Zuschauer.

Einige Montagetechniken für den Filmschnitt gibt es schon seit über 100 Jahren und werden auch heute, im Zeitalter von TikTok und Instagram-Shorties, noch häufig verwendet. Sie müssen das "Wie" des Schnitts kennen, aber das ist der einfache Teil. Darüber hinaus sollten Sie immer im Hinterkopf behalten, "warum" Sie etwas so bearbeiten, wie Sie es tun. Das ist der komplexere Teil. 

Bearbeitungsprozess - Wie wird bearbeitet?

In den Anfängen des Films waren Cutter noch auf den Schnitt mit Schere und Klebepresse angewiesen, und Effekte wurden in einem komplexen chemischen Entwicklungsprozess oder durch optische Konstruktionen bei der Produktion mit der Kamera erzeugt. Heute, im digitalen Zeitalter, gibt es eine breite Palette von Bearbeitungsmöglichkeiten. Jeder kann heute digital produzieren und mit Software bearbeiten. Einfache Bearbeitungen können leicht mit einem Smartphone oder Tablet vorgenommen werden, manchmal mit kostenlosen Apps. Wirklich komplexe Arbeiten können mit professioneller Software erledigt werden, die zum Teil ebenfalls kostenlos ist, aber einen leistungsstarken Computer voraussetzt. Alle Schnitt-Apps verfügen heute über eine sogenannte Timeline für den Schnittprozess, auf der die Videoclips sortiert und angeordnet werden können. 

Beispiel Schnittsoftware Davinci Resolve 17

Schritte der Videobearbeitung:

1. Verschaffen Sie sich einen Überblick - die Sichtung des Materials ist der erste Schritt.

2. Entwickeln Sie ein Schnittkonzept - schneiden Sie das Videomaterial vor. 

3. Feiner Schnitt - jetzt wird der Film zusammengesetzt.

4. Korrekturen - Farben und Helligkeit des Materials werden aneinander angepasst. 

5. Tuning - Grafiken, Titel und Übergänge werden hinzugefügt.

6. Tonmischung - Tonbearbeitung und Mischung der verschiedenen Tonspuren mit Soundeffekten, Voiceover und Musik.

7. Exportieren Sie in dem für das Zielmedium geeigneten Format.

Fünf-Bilder-Regel

Der Bearbeitungsprozess muss immer vor der Aufnahme bedacht werden. Um eine Geschichte in Bildern zu erzählen, verwenden professionelle Videojournalisten die 5-Shot-Regel. Das heißt, sie verwenden nur 5 Kamerawinkel, um eine Geschichte zu erzählen.

Aber die Reihenfolge, in der diese Aufnahmen gezeigt werden, kann in Ihrem Schnitt variieren. Man könnte eine "Wow"-Aufnahme am Anfang zeigen, um die Aufmerksamkeit des Zuschauers von Anfang an zu wecken.

Natürlich nur, um eine einfache Handlung zu zeigen oder ein kurzes Ereignis zu dokumentieren. Für einen abendfüllenden Film, wie wir ihn aus Hollywood kennen, braucht man viele tausend Bilder mehr. 

Videomontage - Warum wir schneiden

In den Anfängen des Filmschnitts gab es nur "Kontinuitätsmontagen". Eine Handlung musste Schritt für Schritt gezeigt werden, um den Zuschauer nicht zu verwirren. Dies wird auch als "Erzählmontage" bezeichnet, bei der dem Zuschauer der Kontext des Films erklärt wird.

Der sowjetische Denker Lew Kuleschow begann 1919 damit, mit dem Zuschnitt zweier völlig unzusammenhängender Bilder zu experimentieren, um eine Bedeutung zu erzeugen, die sich bei unterschiedlicher Bearbeitung veränderte. Wenn man zum Beispiel das Bild einer Frau in das Bild eines Babys oder das gleiche Bild einer Frau in das Bild eines Gewehrs umwandelt, entstehen beim Betrachter völlig unterschiedliche Gefühle. Sie können durch Bearbeitungen einen Kontext schaffen. Sie könnten eine Person mit einer Skimaske (im Sommer und in Ihrem Garten) filmen und das Bild auf einen verschneiten Berg oder eine Bank schneiden. Das ist eine einfache Möglichkeit, den Betrachter zu manipulieren. Seitdem weiß jeder Filmemacher, dass der Schnitt etwas zeigen kann, was in der Realität nicht vorhanden war.

Assoziative Montage: Eine bestimmte Abfolge von Aufnahmen soll beim Betrachter eine Assoziation auslösen. Beispiel: Ein Mann schaut eine Frau an, in der nächsten Einstellung sieht er sich Eheringe in einem Juweliergeschäft an.
Parallelmontage: Zwei gleichzeitig ablaufende Handlungsstränge werden abwechselnd gezeigt. In der Regel laufen sie auf einen gemeinsamen Höhepunkt zu. Durch immer kürzere Intervalle kann die Spannung zum Ende hin erheblich gesteigert werden. 

Kontrast-Montage: Das Nebeneinanderstellen von völlig gegensätzlichen Bildern. Beispiel Urlaubsfilm: Buntes Treiben im Luxushotel - Armut und Elend in den Slums ein paar hundert Meter weiter. Der Effekt entsteht durch die Schnittfolge, die für den Zuschauer unerwartet ist. 

Stellvertretende Montage: Ereignisse, die nicht abgebildet werden können oder sollen, können durch Ersatzaufnahmen suggeriert werden. Beispiel: Kreuzzeichen oder Erlöschen der Kerze für den Tod. 

Kausale Montage: Der Inhalt der ersten Szene ist eine Voraussetzung für die Ereignisse der folgenden. Beispiel: Unsicherer Skifahrer - Gipsbein im Krankenhaus. 

Formale Montage: Addition von Aufnahmen der gleichen Bewegung: Kinderkreisel - Eiskunstläufer dreht Pirouette, von gleicher Form: Ball - Globus, der gleichen Art: Wasser, das in ein Glas fließt - Wasserfall, oder in der gleichen Farbe: Weißer Zuckerguss - Schneelandschaft.

Rhythmische Montage: Die Hintergrundmusik bestimmt das Tempo des Schnitts: Dieser Clip-Stil ist seit den Anfängen des Musikfernsehens sehr beliebt.

Der Jumpcut wird heute häufig verwendet, um Teile der Bewegung eines Subjekts wegzulassen, um eine Handlung zu erzeugen. Und noch starrer ist die heutige Methode, die Pausen zwischen einer sprechenden Person herauszuschneiden. Influencer verwenden dies häufig, um die Zuschauer nicht zu "langweilen".

Wichtige Konzepte

Bearbeitungsprozess: kann auf jeder Art von Computer oder Tablet/Smartphone mit einer Vielzahl von Apps durchgeführt werden.

5-Bilder-Regel: Eine Geschichte kann in diesen 5 Bildern dargestellt werden: Was?, Wo?, Wer?, Wie? Und zusätzlich ein WOW-Bild

Montage: Beschreibt den Prozess der Bearbeitung von Videoinhalten auf verschiedene Arten.

Zusätzliche Ressourcen

Software: https://www.blackmagicdesign.com/uk/products/davinciresolve/

Software: https://shotcut.org/ 

Filmemacher IQ zur sowjetischen Montage-Theorie: https://youtube.com/watch?v=JYedfenQ_Mw&feature=shares 

Video-Materialien

CiMe E-Tutorial zur Bearbeitung: https://youtu.be/0VZeQccahJc 

Filmmaker IQ - Geschichte des Schnitts -  

Aktivität: Geschichtenerzählen in 5 Bildern

Überlegen Sie sich in Ruhe die 5 Bilder, die Sie brauchen, um eine einfache Handlung zu zeigen, und erstellen Sie sie mit Ihrem Smartphone. 

• In kleinen Gruppen,

• Denken Sie an eine einfache Handlung. Zum Beispiel eine Hochzeit... oder Tee trinken.

• Machen Sie 5 Fotos.

• Stellen Sie der Gruppe Ihre fünf Bilder in einer Reihenfolge vor und fragen Sie sie, ob sie verstehen, was passiert. 

• Sagen Sie es ihnen nicht im Voraus!