Módulo 1. Creador de Contenido. E-book

Introduction

El consumo de medios es muy importante en la vida de los jóvenes. La producción de medios y la comunicación con los medios también es un hecho cotidiano en la vida de muchos jóvenes que utilizan teléfonos inteligentes. En muchos casos, sin embargo, las habilidades productivas se encuentran en un nivel básico y, a menudo, no se reflejan. El módulo tiene como objetivo promover la alfabetización mediática en el análisis crítico y el diseño de los medios. Por lo tanto, este módulo es  muy práctico:

• La primera parte trata sobre la planificación de un proyecto de medios. A modo de ejemplo, se explica la concepción de la producción de vídeo.
• La segunda parte del módulo trata sobre imágenes en videos y fotos. Elegir el encuadre correcto, considerar el fondo al filmar y por qué los cineastas siempre pensamos en editar al filmar.
• En la tercera parte, profundizamos en cuestiones técnicas de grabación y edición de sonido. También echamos un vistazo a qué equipo se necesita para producir películas profesionales.
• La cuarta parte se trata de dirigirse al espectador con color y diseño gráfico.
• La última parte de este módulo trata sobre la edición y el resultado para la plataforma adecuada a fin de llegar a la audiencia deseada.

Narración de cuentos - planificar una producción

Para atraer espectadores nada mejor que contar una historia emocionante. Ya sea un texto, una foto o un video, es la mejor forma de captar la atención del destinatario. Esto hace que sea aún más importante dominar los conceptos básicos de la narración. Es necesario definir los personajes, los arcos de suspenso y las historias, los héroes/heroínas y los villanos y escribir un guión. Pero primero, necesitas una idea.

Todo comienza con una idea

Cuando los individuos o los grupos planean una producción, inicialmente se basan en una idea por alguna razón. La ocasión puede ser una competición, por ejemplo. La perspectiva de ganar es también un incentivo para que los jóvenes "se mantengan firmes". Si usted, como trabajador juvenil, no puede encontrar una competencia externa, también es una excelente manera de iniciar una competencia usted mismo. Esto puede generar publicidad para el trabajo mediático de la institución y tal vez lograr que otros jóvenes o instituciones juveniles también se sumen a la cooperación. A través del patrocinio, también son posibles premios reales, pero para los más jóvenes, un certificado ya puede ser un incentivo suficiente como para darles una pantalla o un escenario frente a una gran multitud. Sin embargo, comenzar tu propia competencia es mucho trabajo y requiere algo de planificación. Es mejor dar a los concursantes un tema con el que trabajar y limitar la duración de la película y el tiempo de producción. Los jóvenes, a menudo quieren imitar lo que ellos mismos consumen. A veces los jóvenes subestiman el esfuerzo que se necesita para hacer una película y sueñan con hacer una película de Hollywood de 90 minutos. En nuestra experiencia, 90 segundos es una duración mucho mejor.

En la dramaturgia, la gente habla de los "grandes temas" que atraen la atención de los humanos. Los cineastas exitosos siempre presentan estos temas en sus películas:

• Amor/Erótico
• Muerte/Supervivencia
• Gloria/Éxito
• Poder/Política
• Economía/Dinero
• Venganza
• Autoconocimiento

Para la producción de películas, primero debes pensar en lo que quieres filmar. Esto puede ser, por ejemplo, una historia, un hecho, un procedimiento técnico, una disputa o una situación similar en la vida cotidiana, etc. Por supuesto, los "sucesos no cotidianos" (por ejemplo, la ciencia ficción) también pueden servir como una idea. Para desarrollar la idea, vale la pena intercambiar ideas primero con los jóvenes y luego esbozar las conexiones entre las historias y los personajes en forma de mapa mental.

Un video generalmente tiene la intención de hacer una declaración, explicar algo o criticar. Los creadores de videos quieren dirigirse y llegar a un grupo objetivo en su comunidad (sociedad, país, ciudad, comunidad, clase escolar, redes sociales...). Dependiendo de cómo esté realizado, el vídeo puede persuadir, manipular, informar, escandalizar, entretener, enseñar, etc. Para lograr uno u otro objetivo, es necesario esbozar la idea original en forma de una breve descripción del desarrollo previsto de la película (máximo media página). Los profesionales del cine se refieren a esto como una exposición.

La exposición se puede escribir más fácilmente como una oración narrativa en la siguiente forma:
"Hoy les cuento la historia de este personaje principal con los siguientes atributos y este motivo de la trama. El personaje principal se enfrenta a este desafío (adversario, conflicto, tarea, obstáculo, incertidumbre, irritación) Un cierto papel es desempeñado por estos personajes secundarios. Están relacionados con el personaje principal o el obstáculo o el cambio. Este cambio/desarrollo ocurre con el personaje principal. La historia tiene lugar en este escenario principal y escenarios secundarios posteriores. La historia se desarrolla a lo largo de este "indispensable" rojo hilo y podría comenzar con la siguiente situación inicial". (traducido de Gregor Alexander Heussen: “Der Erzählsatz” 2007 (ISBN 978-3-00-028648-3))

Al escribir la exposición, queda claro que también tienes que lidiar con la dramaturgia si quieres hacer una película.

Script – Plan de drama

Importante para una buena y cautivadora historia es su estructura dramatúrgica. Hay secuencias dramatúrgicas que ya se usaban en dramas antiguos. En resumen, la estructura se puede formar en 5 Puntos:

1. Comienza con una introducción (exposición) Se presenta al público el escenario de la película. Se introducen los personajes y algunas de sus características. Hay un primer indicio del conflicto central.
2. El desarrollo/aumento de la acción. Se muestran las relaciones entre los actores. La situación se intensifica cada vez más. Suceden eventos que conducen al conflicto.
3. La escalada del conflicto - el clímax. La trama llega a su clímax. Los personajes principales están en el conflicto central y se debe encontrar una solución.
4. Punto de inflexión/ralentización de la acción. La trama se ralentiza para aumentar la tensión por su desenlace. Puede resultar para bien o para mal, según el actor.
5. Catástrofe o resolución. Ocurre una catástrofe para los personajes principales, o se resuelven todos los problemas, y la película concluye con un final feliz.

Estos cinco elementos estructurales deben seguirse para la progresión lógica y la construcción de una historia. Si se elige un formato que no sea un largometraje (por ejemplo, un programa de entrevistas), no se requiere necesariamente una planificación basada en estos cinco elementos. Sin embargo, todavía es necesario pensar de antemano, por ejemplo, cuál es el tema central o en qué escenario y con qué participantes se debe realizar una ronda de charlas. Incluso el moderador de un programa de entrevistas necesita poner drama en el programa, de lo contrario, será aburrido.
En el mundo posmoderno, digital y de las redes sociales en el que viven los jóvenes, el tiempo para desarrollar el drama suele ser muy limitado. Las historias en Instagram, Facebook y Tik Tok, por ejemplo, deben llamar la atención de inmediato. Entonces, a veces comprimen el arco dramático y comienzan en el clímax del conflicto y terminan con la solución.

La exposición sirve como base de discusión para todos los participantes en el curso de trabajo posterior sobre un producto de video. Los cambios y mejoras desarrollados conjuntamente se establecen por escrito. Esto proporciona la base para la producción de vídeo. La versión revisada de la exposición, que se elabora y mejora en el curso del desarrollo posterior, con sus supresiones y adiciones, se denomina Guión.

Ciertos puntos se consideran con más detalle, como la cuestión del suspenso de la historia, el lugar de filmación o la duración del video. En el sentido más amplio, el guión es el escenario de la historia para que la Producción esté preparada para la filmación. El diálogo se elabora en términos concretos. Los diálogos (largometraje) o comentarios (documental) también deben estar anotados en el Guión.

Fuente: https://thescriptsavant.com/pdf/JerryMaguire.pdf

Ejemplo de guión de una película de Hollywood

Tratamiento y preproducción 

La descripción del contenido de la acción, el tipo de acción que se representará en el video, hasta los detalles de la ejecución técnica, forman los componentes del Tratamiento. La ubicación, la hora del día, los accesorios, etc. deben nombrarse y describirse en detalle. El diálogo se elabora en términos concretos. Cuestiones como los permisos de filmación necesarios para ciertas tomas planificadas o aspectos financieros también deben considerarse en el tratamiento. La utilería y las decoraciones deben anotarse y deben adquirirse o construirse antes de que comience el rodaje real.

Para los jóvenes, este suele ser el punto en el que ya no les gusta escribir y finalmente quieren filmar. Sin embargo, durante la producción, rápidamente queda claro si la preparación escrita fue suficiente. Pueden surgir discusiones interminables en el set y producciones enteras pueden desmoronarse.

Antes de que comience la filmación, es posible trabajar en el guión en detalle. Esto se puede hacer de forma puramente escrita, como una transcripción (con descripciones precisas de los elementos de imagen y sonido desglosados ​​en tomas individuales), pero también es posible dar el paso de convertir un guión existente en una versión visualizada. La acción descrita verbalmente o escrita se transforma así y se hace realidad. Todos recuerdan cómo una “película” discurre frente al llamado “ojo de la mente”, por ejemplo al recitar un poema, escuchar música o leer. Es como si uno tuviera una "pantalla interior" en la que se proyectan las imágenes individuales de lo que ha oído o leído. Uno "pinta" algo en sentido figurado. Sin embargo, estas imágenes en la cabeza del guionista naturalmente se ven diferentes para todos. Por lo tanto, a menudo es apropiado trabajar con los llamados "guiones visualizados", los guiones gráficos.

Con la ayuda de formularios simples y un lápiz, se ofrece una forma de escritura de guión en papel, con la que cada uno puede representar individualmente su "película" y sus pensamientos sobre la realización del tema de una manera real. Nadie tiene que ser un dibujante. Incluso las figuras de palitos y los bocetos en perspectiva pueden revelar el escenario planeado. Incluso existen aplicaciones digitales hoy en día para crear guiones gráficos (por ejemplo, la aplicación gratuita “Storyboarder” de “wonder unit” para Mac, Windows y Linux), pero la curva de aprendizaje de esta herramienta es empinada y los jóvenes tendrán problemas para ponerla en marcha al instante.
Otra variante interesante de visualización es el storyboard fotográfico. Este utiliza imágenes fotográficas del ambiente o escenario deseado para una mejor ilustración y al mismo tiempo evita dibujar. Aquí, los jóvenes pueden participar en un rally fotográfico con sus teléfonos y experimentar con tamaños de toma y perspectivas.

Los guiones gráficos no solo ofrecen la posibilidad de aclarar la parte de la imagen, sino que también deben tener una sección para la descripción exacta de la toma, para el sonido y otras notas (efectos especiales, objetos importantes, etc.).

Para asegurarte de no olvidar nada durante el rodaje, también debes hacer un calendario de rodaje (especialmente para producciones más largas). Aquí es donde se planifica lo que se rodará, en qué orden, dónde y con quién. La primera escena también se puede filmar en último lugar. Todas las escenas en un lugar deben filmarse antes de pasar al siguiente. También es importante saber si se necesita un permiso de grabación para la ubicación prevista y, si fuese una película documental, haber cerrado las entrevistas previamente.

Finalmente, por supuesto, necesitas un plan de equipo. ¿Quién tiene que estar presente en el rodaje? ¿Quién se encargará de la cámara, grabación de sonido e iluminación, quién hará las preguntas o dirigirá la película y quién estará frente a la cámara? El cine es siempre un proyecto de equipo. Los trabajadores juveniles en los centros juveniles a veces tienen que mediar si, por ejemplo, todos quieren ser el operador de cámara. También existe la posibilidad de no asignar roles fijos detrás de la cámara para que todos puedan ganar experiencia en todas las áreas.

Ejemplo de guión gráfico

¡Entonces, ahora podemos comenzar! Pero espera un minuto, ¿cómo funciona técnicamente? Lo explicaremos en los próximos capítulos.

Conceptos clave 

Exposé: Es el primer paso para planificar una película. Define cuál será el tema de tu película, así como la trama aproximada. ¿Quién es el personaje principal y cuál es el conflicto dramatúrgico al que se enfrenta? La exposición debe ser corta y precisa.

Estructura dramatúrgica: los dramas tradicionales tienen 5 puntos y se pueden describir como un arco. Comienza con una introducción/exposición, luego hay desarrollo/aumento de la acción, y luego viene la escalada del conflicto: el clímax. En el punto de inflexión se produce una ralentización de la acción y el final llega la catástrofe o la resolución con un final feliz.

Guion gráfico: una visualización de la producción planificada imagen por imagen.

Recursos adicionales 

Aplicación Guión gráfico: https://wonderunit.com/storyboarder/ 

Análisis en profundidad de la película “corre lola corre”:  https://lola-rennt.neue-wege-des-lernens.de/lola/index_en.html 

Gregor Alexander Heussen: “Der Erzählsatz” 2007 (ISBN 978-3-00-028648-3)

Material de Vídeo 

CiMe E-Tutorial “creador de contenido”:   

Conceptos básicos de la cinematografía. Crear tensión: 

Actividad: Escribir una exposición

Escribir una exposición en forma de oración narrativa. En pequeños grupos (3-5 personas), 15-30 Minutos

1. Los participantes creativos pueden usar toda su imaginación.

2. Para los jóvenes, puede preparar tarjetas y dejar que elijan una tarjeta de cada una con:

• Personajes (reales o de ficción) (por ejemplo, Donald Trump, Mickey Mouse, Drácula, Lady Gaga…)
• Géneros (por ejemplo, películas de amor, tragedia, ciencia ficción, crimen, terror, animación, …)
• y Escenarios (por ejemplo, en el bosque, en la torre Eiffel, en un barco, o en las calles de Madrid...).

Después de escribir, cuenta y vende tu película a otros.

Hacer fotos y vídeos

Los tiempos en los que teníamos que tomar fotos o producir películas en celuloide y esperar días para ver las imágenes reveladas han quedado atrás. Las fotografías digitales están instantáneamente ahí, pero la forma en que hacemos las fotografías sigue siendo casi la misma. Necesitamos un dispositivo para capturar una imagen, para producir las imágenes que queremos mostrar. En este tema, analizamos tipos específicos de dispositivos para hacer fotografías con sus ventajas y desventajas. Cómo enmarcar un cuadro. Cómo contar una historia en solo 5 imágenes. Por qué es importante mantener sus imágenes estables y qué posibles dispositivos podría utilizar para respaldar su producción de imágenes (vídeo o foto).

Ejemplo de dispositivos: Fotos de productos (Panasonic, GoPro, Apple, Sony)

Dispositivos para hacer fotografías 

Hoy en día existe una gran variedad de cámaras. Las cámaras de fotos, las cámaras de vídeo o incluso las cámaras de 360 ​​grados son aptas para propósitos especiales. Sin embargo, la mayoría de las personas hoy en día usan su teléfono, ya que esa es la cámara que siempre llevan consigo.

Además, los modelos más nuevos de teléfonos inteligentes a menudo crean estupendas imágenes y videos e incluso admiten la edición, distribución y publicación en el acto, o incluso la transmisión en vivo con el mismo dispositivo. Lo siguiente será una descripción general de los posibles dispositivos para tomar fotografías y grabar videos, siempre con argumentos a favor y en contra de una categoría específica de dispositivos.

1. Cámaras de teléfonos inteligentes

Esta es la cámara que la mayoría de los jóvenes llevan todos los días. Hoy en día, la calidad de una imagen de una cámara es una mezcla de las propiedades físicas de la lente pequeña y el sensor, por un lado, y el software que maneja los datos de la imagen y revela la imagen, por el otro. Las cámaras de los teléfonos inteligentes más nuevos pueden ofrecer imágenes asombrosas mediante el uso de inteligencia artificial.

Pro: siempre en el bolsillo, no se necesita ningún otro dispositivo para editar y distribuir.

Contra: sin agarre para sujetar, sin buena calidad de sonido para la producción de vídeo. Además, los jóvenes a menudo usan teléfonos antiguos que no proporcionan imágenes de buena calidad y el tamaño de la memoria es limitado. La lente de la cámara del teléfono inteligente a menudo está sucia o rayada porque llevamos el móvil todo el tiempo en el bolsillo.

2. Cámara de fotos

Una cámara de fotos sigue siendo la mejor manera de hacer fotos. Las cámaras más grandes con lentes intercambiables son versátiles en su funcionalidad para la producción de imágenes y vídeos. Las cámaras profesionales pueden superar fácilmente el coste de una cámara más de aficionado. Las cámaras pequeñas con objetivos fijos están casi fuera del mercado, ya que las cámaras de los móviles han ocupado esta posición.

Pro: imágenes de buena calidad, se pueden controlar manualmente, las cámaras con lentes intercambiables brindan una buena versatilidad y opciones para expandirse con el tiempo.

Contra: caro si compras una cámara más un juego de objetivos. Los menús de la cámara pueden ser difíciles de configurar correctamente, algunos necesitan mucho estudio. En las cámaras fotográficas digitales más antiguas, las funciones de vídeo son rudimentarias y la grabación de sonido no es controlable.

3. Cámaras de vídeo

Si deseas hacer una película de ficción o un vídeo documental, una cámara de vídeo es la mejor opción. Todos los controles necesarios que necesitas a mano y la posibilidad de conectar micrófonos, auriculares, monitores o mezcladores de vídeo con capacidades de transmisión es una gran ventaja para este tipo de cámara.

Pro: a menudo buenos controles manuales y automáticos con botones sobre las funciones de imagen y sonido. Posibilidad de hacer Zoom. Conectividad para accesorios de audio y vídeo.

Contra: Es grande, no es la mejor cámara versátil para hacer fotos.

4. Cámaras de acción (GoPro y similares)

Estas pequeñas cámaras pueden ser muy útiles en determinadas situaciones. En los deportes de acción e incluso en el buceo bajo el agua, estas cámaras pueden producir vídeos y fotos interesantes. Además, estas cámaras están hechas para grabaciones de alta velocidad y cámara lenta. Los objetivos anchos muestran al espectador el punto de vista si la cámara de acción está montada en la cabeza o pegada al cuerpo.

Pro: la mejor cámara para grabaciones en movimiento, cuando no quieres arriesgarte a que se dañe la cámara de fotos o el móvil.

Contra: factor de forma muy pequeño. A menudo no hay botones, en su mayoría control automático. No es fácil de personalizar.

Para resumir el tema de las opciones de cámaras, hay un dicho de los profesionales que dice: "La mejor cámara es la que siempre llevas contigo", por lo que no es de extrañar que la mayoría de las fotos y vídeos de hoy se hagan con la cámara del móvil.

Enmarcando tu foto 

Cada vez que haces una foto o grabas un vídeo, debes decidir qué quiere que vea el espectador. Esto se llama: encuadre. Debe decidir qué debe estar en la imagen y qué es mejor dejar fuera de ella.

La persona u objeto que quieres mostrar siempre tiene un fondo y un primer plano. Los objetos que distraen (como los objetos que sobresalen de su cabeza, vea la imagen), las personas o los eventos que se encuentran en la parte posterior o en primer plano deben eliminarse o abordarse en el texto. Por ejemplo, si se realiza una entrevista al lado de un sitio de construcción y el espectador ve a los trabajadores construyendo una casa, esto es adecuado para un informe sobre la construcción de una casa. Pero si solo quieres hablar sobre tus nuevas uñas brillantes, es mejor que vayas a otro lado.

Recorte de imagen: cuando se hace una foto, normalmente se tiene suficiente resolución para que luego se pueda decidir recortar todo lo que no necesita, o incluso convertir una imagen horizontal en vertical. Pero cuando haces un vídeo, debes decidir por adelantado cómo quieres que se vea tu imagen o en qué plataforma o formato quieres publicarla. Algunos necesitan imágenes de 16:9 como la televisión y otros son de 9:16 para el uso de móviles.

Campo de vision 

La forma de producir un campo de visión diferente es un cálculo entre la distancia, la óptica y el tamaño del objetivo de cámara. Con las cámaras fotográficas, puedes cambiar la lente para diferentes campos de visión. Los móviles modernos a menudo están equipados con diferentes lentes para elegir el campo de visión. Las cámaras de vídeo tradicionales usan lentes de zoom para variar entre los campos de visión.

En una secuencia de planos siempre se necesita un PLANO MAESTRO o PLANO DE ESTABLECIMIENTO, que suele ser un PLANO ANCHO, sin movimiento de cámara, con mucha información para el espectador. La primera impresión del escenario donde se desarrolla la acción en torno a los personajes. Cuando no muestra la configuración, a menudo deja al espectador confundido. Los primeros planos o los detalles pueden centrar la atención del espectador en aspectos especiales de la película.

Ángulo de vista 

Cuando se hace una foto o se produce un vídeo, la altura de la cámara que muestra a alguien o algo se denomina ángulo de visión. Desempeña un papel importante en la forma en que los espectadores perciben subconscientemente el contenido. Hay tres ángulos de visión principales:

1. Ángulo normal: al nivel de los ojos. Esto es más importante cuando muestras a la gente, por ejemplo, en una entrevista, que quieres ser lo más imparcial posible con los contenidos.

2. Ángulo alto: vista desde arriba. Cuando muestras a alguien o algo desde arriba, o incluso un poco más alto que el ángulo normal, lo haces más pequeño para el espectador. Esto se usa a menudo en las selfies de las redes sociales.

3. Ángulo bajo: vista desde abajo. Cuando muestras a alguien o algo desde abajo, ellos (o eso) parecen ser más grandes para el espectador. Los héroes o los villanos opuestos en las películas a menudo se muestran así para que se vean más fuertes.

¡Así que debes de tener en cuenta el ángulo de visión! Mira si te olvidaste ajustar la altura del trípode

Conceptos clave 

Hoy en día hay muchas cámaras diferentes en el mercado. Cuando decidas qué cámara quieres usar, ten en cuenta que cada cámara tiene ventajas y desventajas. Pero no es realmente importante con qué tipo de cámara se producen las imágenes. La mejor cámara es la que siempre llevas contigo, por lo que las cámaras de los móviles juegan un papel importante en la toma de fotografías.

Encuadre: El proceso de elegir lo que está en la imagen y lo que no.

Campo de visión: en la combinación de distancia, lente y tamaño del objetivo de la cámara, decide lo que vas a mostrar para transmitir una cierta sensación.

Ángulo de visión: la altura de la cámara que filma a un sujeto produce en el subconsciente una sensación de apropiación e importancia.

Recursos adicionales 

Más sobre el lenguaje del cine: https://nwdl.eu/languageoffilm/

Materiales de video

Ángulo de vista: 

Actividad: Enmarcar

En pequeños grupos o con 1 pareja.

Recorta un marco, 16:9 o de diferentes tamaños y mira a través de él. Juega con la distancia entre tu ojo y el marco. Creando "Campo de visión" y "Ángulo de visión" en el proceso.

Pregunta: ¿Qué ves y cómo te sientes? ¿Puede relacionarse con lo que has aprendido?

Alternativamente, puedes tomar tu teléfono inteligente y hacer lo mismo con la cámara.

Captura de sonido para video

Una película es un producto mediático audiovisual. La imagen y el sonido se influyen mutuamente fuertemente y el sonido juega un papel bastante significativo. Intente ver una película sin sonido o escuchar una película sin ver la imagen.

En las películas de Hollywood, los especialistas están cuidando especialmente el sonido. Grabar en locación y en estudios, mezclar y editar sonidos, crear efectos de sonido y componer y grabar música, todo da como resultado un fondo de sonido especial que a menudo tiene un efecto subconsciente directo en el espectador.

Buen sonido

¿Qué define una buena calidad de sonido? La buena calidad de sonido comienza con la grabación. Los principiantes a menudo tienden a descuidar la grabación de sonido cuando filman. La imagen es directamente visible en la cámara, pero la forma en que se graba el sonido a menudo no se puede controlar con algunas cámaras o teléfonos inteligentes. Por lo tanto, el enfoque de los cineastas emergentes suele estar en el lado de la imagen durante la producción. Es solo más tarde, cuando están revisando el material, que se dan cuenta de que tal vez el discurso no es lo suficientemente inteligible, o que el ruido de fondo o del viento ha perturbado el sonido inutilizable.

Un micrófono es un llamado transductor de sonido que convierte las ondas de sonido en impulsos eléctricos que luego se graban digitalmente. Acústicamente, el volumen del sonido disminuye con la distancia desde la fuente de sonido. Por lo tanto, el mejor sonido se obtiene cuando el micrófono está lo más cerca posible de la fuente de sonido. Por lo tanto, para la producción de vídeo, es recomendable utilizar un micrófono externo, ya que los micrófonos integrados con la cámara (o el teléfono inteligente) están relativamente lejos de la fuente de sonido y el ruido al sostener la cámara también se graba.

Hay muchos tipos diferentes de micrófonos, pero para la grabación de vídeo, estos tres son los más utilizados:

Micrófono dinámico para hablar de cerca

Este tipo de micrófono es adecuado para grabaciones puras de voz. Los músicos también los utilizan en el escenario porque los ruidos (laterales) ya no se captan a corta distancia. Este tipo de micrófono debe sostenerse directamente frente a la boca para garantizar una buena captación vocal. La desventaja de esto es que el micrófono siempre está visible en la imagen. Esto es bueno para informar o presentar, pero no es una buena solución para largometrajes o documentales donde el espectador no debe ver el micrófono.

Micrófono direccional / Micrófono de cañón

Con los micrófonos direccionales, aún puede grabar un sonido limpio desde la distancia. En este caso, el micrófono direccional debe apuntar a la fuente de sonido; el sonido de allí se recoge con más fuerza. A menudo, los micrófonos direccionales se utilizan con una pértiga, sostenidos directamente sobre la acción y panoramizados cuando los sujetos se mueven.

Micrófonos Lavalier/clip-on

Este tipo de micrófono muy pequeño se conecta directamente al sujeto y, por lo tanto, proporciona un buen nivel de sonido constante desde una corta distancia de la boca. Los micrófonos de solapa a menudo se conectan por transmisión de radio, pero también están disponibles como soluciones puras de cable, o para la conexión a un teléfono inteligente. Las desventajas de los micrófonos lavalier son: El posible ruido de la ropa, las joyas o los ruidos involuntarios de las manos se captan con fuerza. Con los micrófonos con cable, estás atado a cierta distancia del altavoz. Con soluciones inalámbricas, es posible la interferencia de otras fuentes de radio.

La monitorización es importante en cualquier forma de grabación de sonido, es decir, el control fiable del sonido durante la producción de películas. Con auriculares bien protegidos y con un sonido neutro, las grabaciones se pueden controlar de forma segura. Durante la grabación, el nivel de grabación debe controlarse para que no se produzca una sobrecarga o el sonido se grabe demasiado bajo. Con muchas cámaras pequeñas y grabaciones de teléfonos inteligentes, no es posible controlar el nivel; los sistemas automáticos se hacen cargo de esta tarea.

En la producción cinematográfica, existe una distinción entre el sonido que pertenece a lo que se muestra en la imagen y lo que se agrega artificialmente.

“Diegética: Se refiere a todo lo perteneciente al mundo ficcional de una película que los propios personajes experimentan y encuentran. El mundo implícito de la historia, incluidos sus escenarios, eventos, sonidos, espacios y los personajes que los habitan, así como muchas otras cosas, acciones y actitudes que no se muestran explícitamente en la película pero que la audiencia entiende que pertenecen a ella, se les conoce como la diégesis. De acuerdo con esto, cualquier sonido (voz, música o efecto de sonido) que se presente como procedente de una fuente dentro del mundo de la película se denomina sonido diegético. Por el contrario, la música de fondo, el comentario de un narrador o los efectos de sonido que no parecen originarse dentro del mundo de la película se consideran sonido no diegético. El público construye un mundo diegético a partir del material presentado en una película narrativa, y todos los elementos que existen fuera de esta diégesis son etiquetados como no diegéticos.

No diegético: No pertenecer al mundo ficticio de la película (lo contrario de diegético). Por ejemplo, la música de fondo, el comentario de un narrador o los efectos de sonido agregados después de la filmación que no parecen originarse en el mundo de la película, son todos ejemplos de sonido no diegético”. (https://www.filmmakersacademy.com/glossary/)

Para la mezcla de sonido, siempre existe la cuestión de si el sonido diegético o no diegético debe estar en el centro de la mezcla. Por ejemplo, en una secuencia de película de acción, uno espera que la música alta y rápida esté en el centro, mientras que en un documental el sonido diegético de los sujetos frente a la cámara debe ser la fuente de sonido más fuerte.

Accessorios para la cámara 

El equipo básico que necesita es una memoria (tarjeta) lo suficientemente grande y rápida para la grabación de vídeo. Además, debe tener suficiente energía en forma de batería para su cámara. Debe poder cambiar entre baterías para poder continuar con la producción y no esperar a que se recarguen. Al producir con un teléfono inteligente, también puede usar un banco de energía externo.
Aunque las cámaras modernas suelen estar equipadas con algún tipo de estabilización de imagen; para imágenes buenas y estables, un trípode o un monopie pueden ser muy útiles. Hay una diferencia entre los trípodes de fotografía y los trípodes de vídeo. Los trípodes para uso fotográfico necesitan estar fijados al suelo, mientras que para vídeo necesitamos hacer movimientos suaves durante la filmación.

Si desea más movimiento fílmico en su vídeo, puede usar una cámara estable o sistemas de cardán motorizados. Incluso hay pequeños gimbals disponibles para filmar con un teléfono inteligente.
Para hacer buenas imágenes en el interior, es posible que necesite luces. Las imágenes oscuras se ven granulosas y los colores parecen desteñidos. Una pequeña luz en la parte superior de la cámara puede ayudar. Si planea una gran producción cinematográfica, ciertamente necesita muchas luces. En las producciones de Hollywood, toda la iluminación debe controlarse, por lo que la mayoría de las filmaciones se realizan dentro de un estudio con muchos equipos de iluminación.

Como describimos anteriormente, es muy bueno tener un micrófono y auriculares. Pero si no puede conectarlos a su cámara o su cámara no le permite controlar la grabación de sonido, puede pensar en obtener un dispositivo de grabación de audio simple.

Para proyectos con niños, el uso de una claqueta clásica es una forma sencilla de aumentar el valor de la producción para ellos. Esto parece profesional y los jóvenes se toman más en serio tu proyecto si actúas profesionalmente.

Hay muchas posibilidades adicionales para invertir en un equipo de producción, pero las anteriores son más comunes en la producción con jóvenes.

Conceptos clave 

Una película es un producto audiovisual. La importancia del audio no debe subestimarse.

Un micrófono puede ayudar a producir un buen sonido.

Diegético y no diegético: Diegético es todo lo que parece pertenecer al mundo del cine. Mientras que no diegético es todo lo que parece añadido artificialmente desde el exterior.

Accesorios: tener solo una cámara para producción no es muy aconsejable.

Recursos adicionales

Términos cinematográficos: https://www.filmmakersacademy.com/glossary/

Material de vídeo

¡Un paso CRUCIAL para hacer vídeos INCREÍBLES! AUDIO Y SFX:   

Cómo capturar sonido en eventos como un profesional: 

Actividad: Grabadora de audio en una caja

Tome una grabadora de audio o la función de grabación de su teléfono inteligente y colóquela en una caja. Hablar entre sí. ¿Cómo afecta esto al sonido de la grabación?

Producción de gráficos y procesamiento de imágenes

Cuando se produce una imagen o un vídeo, siempre se trata de comunicación con el espectador. El espectador ha consumido muchos medios a lo largo de los años y, por lo tanto, espera ciertas formas de comunicación. El color y el brillo de su imagen pueden cambiar el estado de ánimo del espectador. Y la visualización de superposiciones gráficas es un método para mantener la atención y subrayar lo que desea que su espectador aprenda en su imagen o vídeo.

No importa de qué manera quieras publicar, estás tratando de llamar la atención del espectador. Si desea muchas vistas para su vídeo, debe convertirse en su propio promotor. Poner en red las plataformas de redes sociales y utilizar todas las formas posibles de vincularse con otros generando clics. Ser famoso o ganar mucho dinero con tus producciones es algo difícil y puede ser un gran desafío.

Psicología del color simple

Cuando desea dirigirse al espectador, debe comprender un poco sobre la psicología del color. Con el uso de color en la iluminación o accesorios en la imagen o con un efecto de color en el proceso de edición de la aplicación que elijas, puedes influir en cómo el espectador percibe tu mensaje. Los colores pueden subrayar o distraer.

• Saturación: la decisión de cuánto color hay en su imagen. El blanco y negro se siente viejo e incluso una imagen muy desaturada parece lúgubre. Los colores fuertes se sienten modernos o populares.
• Brillo: ¿su imagen es oscura o clara? Esto también establece el tono de los sentimientos del espectador.
• Contraste: Blanco y negro o colores contrastados en el círculo cromático. Los colores complementarios crean los efectos más fuertes en el mundo del color. Los pares complementarios que se utilizan a menudo en las artes visuales son rojo-cian, verde-magenta y azul-amarillo.

En las aplicaciones de imágenes típicas, puede probar fácilmente diferentes variantes de color y sentir cómo el color afecta la percepción.

Gráficos

“Una imagen dice más que mil palabras”, pero un gráfico se puede utilizar para aclarar lo que desea que el espectador entienda o aprenda. Las superposiciones gráficas simples con texto no deben distraer lo que se dice. El espectador de un producto audiovisual se distrae fácilmente. Si muestra un texto largo, el espectador quiere leer, pero si su voz en off le dice algo al mismo tiempo, se confunde. La solución es mantener los gráficos simples. Incluso puede crear una película en este proceso en el que explique algo al espectador en un proceso que se denomina animación de espectáculo simple.

Espectáculo sencillo

Encuentra gráficos simples para todo lo que quiere explicar e imprímelos. Necesitas los personajes principales, los villanos, el problema y una solución como en el drama clásico. Luego tomas unas tijeras y cortas todo. Para la producción, tomas una cámara en un trípode mirando hacia abajo. En una caja grande, creas tu escenario. Ahora empieza a grabar. Con tus manos traes todo lo que necesitas para contar la historia o el problema. Incluso puedes explicar la física del átomo de esta manera.

Diferentes canales de publicación 

Hoy en día, hay muchos proveedores de transmisión de vídeo diferentes en el mercado con diferentes formatos para llegar al espectador. Los más populares hoy en día son YouTube, Instagram y Tiktok. En YouTube, por ejemplo, puede producir transmisiones en vivo durante muchas horas en clips de Tiktok durante solo unos segundos.

La mayoría de los vídeos largos están en formato 16:9 como en la televisión, pero todos los clips cortos están en formato 1:1 o 9:16 para verlos en un dispositivo móvil. Entonces, cuando filma o exporta desde una aplicación de edición de vídeo, necesita la proporción de píxeles correcta de su vídeo.

Los espectadores en estas plataformas de transmisión tienden a tener un período de atención extremadamente corto. La cobertura larga y profunda de los temas se elimina en la aplicación con la punta de un dedo descartando su largo trabajo de producción de contenido en un abrir y cerrar de ojos.

"Canal abierto" es la radio o televisión local o autonómica que garantiza a todos los ciudadanos el acceso libre e igualitario a estos medios electrónicos. Los canales abiertos ofrecen la oportunidad de dirigirse al público de forma responsable con contenidos autodeterminados. Los Canales Abiertos brindan estudios para la producción de aportes, equipos de grabación, instrucción técnica y asesoría. Son libres de publicidad y no comerciales; se financian mediante tarifas de transmisión (en Alemania). Como lugares de comunicación local, los canales abiertos han crecido en diferentes formas de organización.

Las oportunidades para la educación en medios y la educación política se pueden encontrar en los canales abiertos, así como en las actividades e impulsos sociales y culturales. En su implementación, se tienen en cuenta las experiencias del intercambio y la cooperación con proyectos comparables en el país y en el extranjero.

Si tiene la oportunidad de encontrar Citizen Media en su país, debe comunicarse y unirse a la forma de publicación gratuita y no comercial.

Conceptos clave

La comunicación con el espectador no es solo contenido, sino que el color y el brillo juegan un papel importante.

Las entradas gráficas en su vídeo pueden distraer o ayudar a transportar el mensaje.

Es necesario abordar específicamente los diferentes métodos de publicación.

Citizen Media es una buena manera de publicar su contenido en un entorno no comercial

Recursos adicionales

Colores complementarios: https://en.wikipedia.org/wiki/Complementary_colors 

Rueda de colores https://en.wikipedia.org/wiki/Color_wheel

Material de video

Psicología del color  - Cómo los colores influencian las elecciones y sentimientos:   

Psicología del color | Vídeo ensayo:

Actividad: Haz una foto y prueba el color

Actividad en parejas: Tome una foto con su teléfono inteligente y pruebe diferentes tipos de filtros de color.

Pregunta: ¿Cómo te hacen sentir los diferentes filtros de color?

Postproducción y Distribución – Edición para el público

Si bien todavía era muy difícil estrenar una película y encontrar una audiencia en el cambio de milenio, muchas cosas se han desarrollado desde entonces. Los cines y los canales de televisión todavía eran un sistema cerrado en ese momento. Para entrar había que tener un presupuesto enorme para producir una película, o generar contenidos televisivos y los recursos tecnológicos con la calidad que demandan las emisoras. Además, había "guardianes" en todos los campos en forma de productores de televisión o distribuidores de cine que permitían el acceso a pocas personas. Los temas que no se querían no aparecían en los medios de comunicación. El principio básico de los medios de comunicación era y es hoy: pocos productores para muchos espectadores.

A mediados de la década de 1980, grupos de activistas con influencia política en algunos países de la UE introdujeron medios alternativos, medios ciudadanos, en paralelo con los nuevos proveedores de televisión comercial. Aquí, los ciudadanos se convertían en editores y podían publicar sus propios programas. En el proceso de producción, hubo apoyo técnico y de personal, así como cursos de capacitación para adquirir habilidades técnicas. Además, se desarrolló una comunidad animada de entusiastas productores alternativos en muchos lugares de transmisión de medios ciudadanos.

Desde 2005, se ha desarrollado un nuevo modelo de publicación con la plataforma de vídeos YouTube, que también permite que cualquier persona con acceso a Internet pueda publicar. Sin embargo, el productor debe ponerse completamente en manos de un algoritmo que decide con quién aparece en el reproductor el vídeo producido. Esto a menudo se asocia con la frustración de los principiantes. Aquí se aplica a menudo el contraste con los medios de comunicación: muchos productores para (a menudo) muy pocos espectadores.

Algunas técnicas de montaje para la edición de películas existen desde hace más de 100 años y todavía se usan a menudo, incluso hoy en la era de los shorties de TikTok e Instagram. Necesita saber el "cómo" de la edición, pero esta es la parte fácil. Además, siempre debe tener en cuenta "por qué" edita algo de la forma en que lo hace. Esta es la parte más compleja.

Proceso de edición – Cómo editar

En los primeros días del cine, los editores todavía dependían del corte con tijeras y una prensa de pegamento, y los efectos se creaban en un complejo proceso químico de revelado o mediante construcciones ópticas mientras se producía con la cámara. Hoy, en la era digital, existe una amplia gama de opciones de edición. Hoy, cualquiera puede producir digitalmente y editar usando software. Las ediciones simples se pueden realizar fácilmente con un teléfono inteligente o una tableta, a veces con aplicaciones gratuitas. Se pueden realizar trabajos realmente complejos con software profesional, algunos de los cuales también son de uso gratuito, pero requieren una computadora potente. Todas las aplicaciones de edición de hoy en día tienen una llamada línea de tiempo para el proceso de edición en la que se pueden ordenar y organizar los videoclips.

Ejemplo de software de edición Davinci Resolve 17

Pasos en la edición de vídeo:

1. Obtenga una visión general: revisar el material es el primer paso.
2. Desarrolle un concepto de edición: recorte el material de video.
3. Corte fino: ahora la película está ensamblada.
4. Correcciones: los colores y el brillo del material se ajustan entre sí.
5. Ajuste: se agregan gráficos, títulos y transiciones.
6. Mezcla de sonido - Edición de sonido y mezcla de las diferentes bandas sonoras con efectos de sonido, voz en off y música.
7. Exporte en el formato adecuado para el medio de destino.

Regla de las cinco imágenes 

Siempre hay que pensar en el proceso de edición antes del rodaje. Para contar una historia en imágenes, los vídeo periodistas profesionales utilizan la regla de las 5 tomas. Es decir, utilizan solo 5 ángulos de cámara para transmitir una historia.

Pero el orden en que se muestran estas tomas puede variar en su edición. Uno podría mostrar una toma sorprendente al principio para captar la atención del espectador desde el primer momento.

Por supuesto, esto es para mostrar una acción simple o documentar un evento breve. Para un largometraje como los que conocemos de Hollywood se necesitan muchos miles de imágenes más.

Montaje de vídeo – ¿Por qué editamos? 

Al comienzo de la edición de películas, solo había "montajes de continuidad". Una acción necesitaba ser mostrada paso a paso para no confundir al espectador. Esto también se llama “montaje de la narración” donde se explica al espectador el contexto de la película.

El pensador soviético Lev Kuleshov comenzó en 1919 a experimentar con el corte de dos imágenes totalmente ajenas para crear un significado que cambiaba al editarlas de forma diferente. Por ejemplo, una imagen de una mujer editada en una imagen de un bebé, o la misma imagen de la mujer editada en una imagen de un arma crean sentimientos totalmente diferentes en el espectador. Puede crear contexto a través de ediciones. Podrías filmar un sujeto con un pasamontañas (en el verano y en tu jardín) y editarlo como una montaña nevada o una imagen de un banco. Esta es una manera fácil de manipular al espectador. Desde entonces todo cineasta sabe que el proceso de montaje puede decirte algo que originalmente no estaba ahí en la realidad.

Montaje asociativo: una secuencia específica de tomas tiene como objetivo desencadenar una asociación en el espectador. Ejemplo: un hombre mira a una mujer, en la siguiente toma mira los anillos de boda en una joyería.

Montaje paralelo: dos historias que se ejecutan simultáneamente se muestran alternativamente. Por lo general, corren hacia un clímax común. La tensión se puede aumentar considerablemente hacia el final usando intervalos cada vez más cortos.

Montaje de contraste: La yuxtaposición de imágenes completamente opuestas. Ejemplo de película de vacaciones: ajetreo y bullicio coloridos en el hotel de lujo: pobreza y miseria en los barrios marginales a unos cientos de metros de distancia. El efecto es creado por la secuencia de edición, lo cual es inesperado para el espectador.

Montaje sustitutorio: los sucesos que no pueden representarse o no deben mostrarse pueden sugerirse mediante tomas sustitutas. Ejemplo: Señal de la cruz o cirio que se apaga por la muerte.
Montaje causal: El contenido de la primera escena es un requisito previo para los acontecimientos de la siguiente. Ejemplo: esquiador inestable - pierna de yeso en el hospital.

Montaje formal: Adición de planos del mismo movimiento: Peonza infantil - Giro de patinadora artística, de la misma forma: Pelota - Globo, del mismo tipo: Agua que cae en un vaso - Cascada, o del mismo color: Glaseado blanco - Paisaje nevado.

Montaje rítmico: La música de fondo controla el tempo de la edición: este estilo de clip ha sido el más popular desde los albores de la televisión musical.

A menudo se usa hoy en día el Jumpcut como un método para omitir partes del movimiento de un sujeto para crear acción. Y aún más rígida es la forma actual de cortar las pausas entre una persona que habla. Los influencers usan mucho esto para no “aburrir” a los espectadores.

Conceptos clave

Proceso de edición: se puede realizar en cualquier tipo de computadora o tableta/teléfono inteligente con una variedad de aplicaciones.

Regla de las 5 imágenes: una historia se puede presentar en estas 5 imágenes: ¿Qué?, ¿Dónde?, ¿Quién?, ¿Cómo? Y adicional un disparo WOW

Montaje: describe el proceso de edición de contenido de vídeo de diferentes maneras

Additional resources

Software: https://www.blackmagicdesign.com/uk/products/davinciresolve/

Software: https://shotcut.org/ 

Recursos adicionales

Filmmaker IQ on Soviet Montage-Theory: 

E-Tutorial CiMe sobre edición:   

Filmmaker IQ - Historia del montaje -

Actividad: Storytelling en cinco imágenes

Tómese su tiempo para pensar en las 5 imágenes que necesita para mostrar una acción simple y prodúzcalas con su teléfono inteligente.

• En pequeños grupos,Piense en una acción simple. Por ejemplo, una boda… o tomar un té.
• Tome 5 fotos.
• Presente sus cinco imágenes en orden al grupo y pregúnteles si entienden lo que está sucediendo.
• ¡No se lo digas por adelantado!